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浅谈十九世纪中叶欧洲钢琴音乐鼎盛时期的成因

点击数: 2015-12-30 23:05 作者:wwwshblunwen 来源:未知

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浅谈十九世纪中叶欧洲钢琴音乐鼎盛时期的成因

  在几乎所有关于欧洲钢琴音乐发展的叙述文章和书籍中,都将19世纪中叶描述为钢琴音乐的“黄金时期”或“鼎盛时期”。例如,现行高中音乐鉴赏课本第九单元“浪漫幻想的音乐世界”第十七节“钢琴音乐的奇葩”中,是这样叙述的——肖邦和李斯特是19世纪浪漫主义钢琴音乐中两颗璀璨的明珠,他们一同将钢琴艺术推向前所未有的高度。那么,这个”前所未有的高度”为什么是十九世纪中叶而不是之前或之后,甚至是现代?为什么起关键作用的是肖邦和李斯特而不是莫扎特、贝多芬或之后的拉赫玛尼诺夫等人?配套的教学参考书中并未提及,音乐研究类文献和网络上也少有涉及。
  要弄清楚这个问题,我认为,需从以下四个方面进行综合研究:
  一、钢琴的发展与成熟
  音乐的发展史同时也是乐器的发展史,是互相作用的。钢琴是在古钢琴的盛世出台的,1709年,意大利人巴托罗缪.克里斯托伏里(1655——1731)制成了世界上第一架钢琴,只有四组琴键(四个八度),从演奏机理看,与击弦古钢琴(clavichord)很象。刚诞生的钢琴是典型的丑小鸭,经历了漫长的发展改良过程才逐渐得以完善——
  1720年,克氏制造出了第2台钢琴,四组半琴键;
  1726年,巴赫第1次演奏钢琴,认为键压太重,高音太弱,一点儿也不喜欢;
  1765年,9岁的莫扎特在伦敦第1次见到了钢琴,不过直到1782年才自己买下一架,此时距他去世,只有九年;
  1790年,英国勃罗德伍德琴厂推出了五组半的钢琴;
  1800年,键盘颜色改成了现在的样子,而在这之前是相反的,据说是为了映衬出贵族仕女们白皙的双手;
  1808年,法国人埃拉尔发明了复震奏装置。WWw.11665.coM之前的钢琴是无法演奏复震奏的,琴槌要么不敲,要么乱敲一气;
  1811年,立式钢琴出现,为钢琴的普及创造了条件;
  1824年,13岁的李斯特在巴黎开音乐会,所用钢琴的键盘达到了六个八度;
  1825年,随着琴弦的增加,木质琴框不堪重负,被铸铁琴框所代替;
  ……
  作曲家要求更宽的音域,演奏家要求更洪大的音量,都在促进着钢琴的发展,在这一过程中,琴弦、音板、琴槌日益完善,击弦机、踏板也越来越灵敏,而随着欧洲重工业发展的进程,音质纯净而抗拉力极强的琴弦钢可以制成非常细的琴弦,使音域得以向高音区拓展,19世纪末20世纪初,钢琴的音域才发展到现在这个样子,即88个音,219根弦(平台琴的弦还要再多些)。
  从以上叙述中我们可以看到,莫扎特(1791年去世)终其一生,也只见过五组键盘的钢琴,相当于现在一台儿童电子琴的音域,还经常卡壳。贝多芬(1827年去世)的最后一架钢琴,也不过六个八度,而肖邦和李斯特,年纪轻轻就用上了六组半的钢琴,功能与音质更是远胜于前,虽然仍比现代钢琴少几个音,但众所周知,钢琴最高处与最低处的那几个音是很少用到的,从这一角度看,那时的钢琴和现在的已经差不多了。可以这样说,钢琴这件乐器本身的日益完善,为欧洲钢琴音乐的极大繁盛打下了坚实的基础。
  二、演奏技巧的发展与创新
  在巴赫时代,包括更早的时候,人们演奏管风琴和古钢琴时,只使用食指、中指和无名指,认为这六根指头演奏出来的是“好音”,而大指和小指由于一

个太粗,另一个又太细,力量悬殊,所以弹出来的是“坏音”,被禁止使用或只配用来弹奏弱拍上不重要的音。那时演奏音阶是用2、3指交错的方式,现代人会觉得非常别扭,那时居然也可以做到很流利。巴赫这位大音乐家,也只敢在人们看不见的时候偷偷使用大指和小指,一直到贝多芬时代,车尔尼被贝多芬教导要多练习大指,还觉得十分新鲜和不可思议。这一现象直到浪漫派音乐时期才得以改观。
  人的手是非常复杂而奇妙的,五个手指各有长短,无名指的韧带发育不完全,小指太弱而大指最强,对于弹奏钢琴来说,真是麻烦透了。于是,各种锻炼手指的方法(如《哈农练指法》)就层出不穷的被编了出来,而为了掌握各种复杂的节奏、音型以及演奏需要的技巧,各种练习曲更是多的不胜计数,甚至还出现了专门的“练习曲之练习曲”,如《弹奏肖邦钢琴练习曲的练习曲》!对演奏技法不断的深入钻研和探索,极大地推动着钢琴音乐创作与演奏的发展。
  随着钢琴自身的不断完善,其所提供的演奏可能也越来越多,这就为演奏家和作曲家们提供了越来越大的施展空间。人们从只关注手指的运动逐渐发展为研究腕、肘、臂、肩之间的关联作用,各种之前闻所未闻或只能想象而无法实现的演奏技巧被发明了出来,而对演奏技巧贡献最大的人,首推李斯特。
  李斯特很小就被称为钢琴神童,十一、二岁时就能演奏极其艰深的曲目,掌握了当时所有的演奏技巧。1831年3月9日,李斯特在巴黎亲眼见到意大利小提琴家帕格尼尼的演奏,受到极其强烈的震撼和犹如晨钟暮鼓一般的启示,继而投入到疯狂地练习和创新之中。艰苦的训练终于结出了丰硕的成果,准确的大跳、双手八度交错半音的快速上下行(即“李斯特八度”)、别致的拨奏、滑奏、巧妙细致的踏板等。在李斯特的手中,钢琴终于成为具有无限表现力的“万能乐器”,他赋予了钢琴这件乐器新的生命力。一直到对钢琴演奏研究的如此透彻的今天,单从演奏技巧论,对最高难度的演奏技巧的发展与创新仍是到李斯特为止,也就是说,在李斯特之后,钢琴的演奏技巧无创新式发展,后人只是在不断的叠加和重复而已。至此,一个现代钢琴演奏家所需的一应技巧,基本发展完善与成熟!
  三、历史与社会环境
  19世纪中叶,也就是1850年前后,欧洲音乐正是浪漫主义中期,是欧洲音乐史上最繁盛的时期。在巴罗克音乐时期,作曲家们恪守着严格的作曲规范,将自己的情感深深融合在对宗教和君主的虔诚与推崇中;到了古典主义时本文由论文联盟http://收集整理期,随着社会变革进程的加剧和席卷欧洲的工业革命,人们追求“自由、民主”,思想意识发生了巨大的变化,在这样的时代背景下,音乐的创作也逐渐显露出伟大的人性光辉和庄严崇高的精神力量。而到了浪漫主义时期,人性的解放和个人风格特点的强烈体现成为最常见的创作手法,大量优秀的音乐作品不断地诞生着,甚至有的作曲家由于担心别人听不懂他这种纯个人的情感表述,专门在音乐标题下不厌其烦地加上了若干说明文字(柏辽兹)。而身处其中的钢琴音乐,亦得到极大的发展。
  思想一旦获得自由,个人情感的表达一旦成为常态,创作欲望必然喷薄而出。仅仅是对比一下上述三个音乐时期最主要代表人物的数量,就可以看出在浪漫主义音乐时期,欧洲音乐的创作与发展是何等的繁荣与迅猛了。在这样的社会大环境下,量的积累必然带来质的飞跃,纵观当下音乐会和音像制品中的钢琴作品,大量的、最受欢迎的,还是浪漫主义时期的作品。行吟歌手般的舒伯特、画家般的德彪西、有王者气派的李斯特和音乐诗人肖邦等,既丰富了那个时代,其影响又远远波及未来。
  四、关键人物的关键作用
  任何事物发展的关键时期,就需要有关键人物的出现来起到突破作用。在巴罗克时期,巴赫的《平均律钢琴曲集》(那时钢琴还是丑小鸭,这里指古钢琴)被誉为音乐上的“旧约全书”,两卷四十八首作品是十二平均律首次完整地运用,预示着键盘乐器的远大前程,被视为现代钢琴的奠基之作;与之相呼应的,是古典主义时期贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲,因其重要的地位,被人们称为“新约全书”,有意思的是,贝多芬的钢琴奏鸣曲创作,是能够和钢琴发展史相对应的。
  贝多芬一生前后用过五架钢琴,第一架不到五个八度,无创作;第二架五个八度,贝多芬用它创作了第1——第18奏鸣曲;1803年,贝多芬获得了一架法国琴,有五个半八度,于是,“黎明”和“热情”诞生了,而在“热情”奏鸣曲结束时频频响起的这架琴的最高音——小字4组的c,可以想见贝多芬是多么为键盘音域的拓展而兴奋,这个音在之前的钢琴上是没有的;1818年,他得到了一架拓展了低音的、拥有六组键盘的英国琴,于是,第29钢琴奏鸣曲、作品编号106的,便于此际横空出世……
  莫扎特的演奏,被形容为“如热油般流动而全无涩滞”;贝多芬的演奏,则听过的人一致评价为“震撼人心,有催人泪下的强大力量”。这些杰出人物的创作和演奏为同时代及后来的人们,树立起良好的榜样和标杆的作用,为钢琴音乐的发展打下了坚实的基础,于是,到浪漫主义音乐时期,欧洲钢琴音乐的发展在工具上、技术上和艺术上,都为进入鼎盛时期做好了准备,而肖邦和李斯特的出现,则成为完成最后冲刺的人。
  对于李斯特,前文已有过叙述,需要补充的是,他是第一位使钢琴做为一件独奏乐器而被使用的,之前的钢琴演奏,往往会搀杂着声乐演唱和其他乐器的演奏,只靠钢琴这一件乐器而支撑起整台音乐会的,自李斯特开始。
  肖邦以钢琴为知己, 以钢琴为喉舌,是唯一一位只为钢琴作曲的音乐家,其音乐既不炫技,又不炫力,气韵之高雅,艺术之精妙,无人能及。当然,这并不表示他的作品在技术上就相对简单,肖邦的钢琴作品对演奏者的手指能力和艺术修养有着同样高的要求。而后人往往只关注其作品中的抒情性,又经常演绎的过于多愁善感,或是因了舒曼“花丛大炮”的描述而只关注其革命性,对肖邦对钢琴音乐的独一无二的贡献,却较少关注。
  肖邦的钢琴作品,是唯一使“钢琴音乐纯钢琴化”的,就是说,无法移植到其他的音乐表现形式上。李斯特的《匈牙利狂想曲》被改编为管弦乐队版,相信很多人都听过,而对肖邦,虽然有人做过尝试,比如小提琴家帕尔曼,男高音卡雷拉斯等,都演奏和演唱过肖邦的作品,但不过一两首而已,效果比之钢琴演奏,不可同日而语。而大多数,根本就没法改,比如著名的《升c小调即兴幻想曲》作品第66号,谁能改改看?完全无法下手!
  肖邦的练习曲创作也是应该得到足够重视的,他的钢琴练习曲兼具技术练习和艺术表现的双重功能。以李斯特为例,他也写有大量钢琴练习曲,甚至因技巧艰深而被冠以“超技”的名号,但欣赏时则只见其技,不见其艺,观众只能看到演奏者灵活和有力的手指,听觉上则谈不到多大的艺术享受。肖邦就不一样,其练习曲的艺术性甚至常常掩盖了作品的练习功能,带给人极大的艺术享受。如果有人开一场肖邦钢琴作品音乐会,曲目全部是肖邦的练习曲,那是毫不奇怪的,但谁见过哪个演奏家开“车尔尼钢琴练习曲音乐会”?那就成笑话了。
  综上所述,欧洲钢琴音乐发展到19世纪中叶,由于钢琴发展日益成熟、演奏技巧日益科学完善、前人积累足够深厚,而肖邦和李斯特二人又将钢琴的艺术性、抒情性和演奏技巧推到了极致,所以,将这一时期称之为钢琴音乐的鼎盛时期,是毫不夸张的,不但是前无古人,至少到现在,也是后无来者了!
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